Comedia Cinematográfica

Desde sus inicios, ha sido el humor el principio cristalizador de los elementos que se despliegan en la Comedia. La sátira, la broma y la burla, se proyectan a mostrar lo grotesco y convencional de la vida humana y sus costumbres, modifica y desintegran sus normas y generan un estado de caos hilarante. 

El Hombre Mosca (1923) por Fred C. Newmeyer y Sam Taylor. 

Desde que el Cine forjó este género, se han ampliado las diferentes posibilidades para hacer reír al espectador, que a pesar de recurrir siempre a los mismos estereotipos, ha desarrollado diferentes “tendencias como la farsa, el vodevil, el sainete y la comedia sentimental”, las cuales son adaptadas a las convenciones del lenguaje cinematográfico que incide por lo general en la singularidad psicológica de personajes derrotados por situaciones caóticas, desfavorables o de confusión que, en la mayoría de los casos logran superar.

Viaje a la luna (1902) por George Méliès

Méliès utiliza distintos recursos cómicos. 

En síntesis, la Comedia se rige por dos principales indicadores: la inspirada en la vida real y sobrelleva las situaciones ejerciendo control y haciendo acto de poder, o la surreal en la cual se crea una realidad ficticia que entretiene en lo absurdo. 

Charlot cambia de oficio (1915) por Charles Chaplin

Precisar una definición para la Comedia Cinematográfica, sólo puede sustentarse a partir de su calificación como risible. Pero que es la risa, sino la explosión liberadora de la gracia que envuelven las situaciones que en el fondo preocupan, pero que se encuentran distantes. En el Cine, la risa se consigue mediante golpes de humor, que pueden ser visuales o verbales, y se denominan gags.

La Comedia mantiene el control de las situaciones dramáticas, pues la risa puede con todas las cargas emocionales. Además es subversiva, descubre las realidades escondidas, para ello, sabotea otros géneros, interviene en ellos y los ablanda, permitiendo así diversas impresiones cómicas en diferentes temáticas.

En sus inicios, lo visual domina el Cine, por ello es la acción física el centro de una escena cómica. Todo aquello que disturbe el habitual curso de una situación, genera humor: caídas, golpes, líos, persecuciones… generan risa al espectador distanciado del caos. Recibe el nombre de slapstick este tipo de filmes.

Con el inicio del Cine sonoro, la Comedia Cinematográfica tiende hacia el diálogo ligero y el juego de palabras, intertextualidad que lleva al espectador a reírse de la propia confusión que le genera los diversos sentidos que pueda a llegar a tomar los enunciados. Un claro ejemplo de ello tenemos Murder by death (1976) de Robert Moore. 

Lo absurdo se presenta en la Comedia como elemento que conduce lo increíble a lo creíble, el desarrollo de esta tendencia ha llevado por ejemplo al absurdo surrealista plasmado por los Hermanos Marx en películas como Una noche en la ópera (1935).

La comedia disparatada, de situaciones y de juego de palabras han sido dominantes en el transcurso de la Historia del cine, pero con directores como Woody Allen vemos que se ha llevado la comedia a un nivel intelectualizado en filmes como El dormilón (Sleeper, 1973)

La comedia al introducirse en algún género concreto como por ejemplo tragedia, drama o ciencia y ficción desarrolla mayores matices a la trama, los cuales al ser abordados con sarcasmo, generan vertientes como el caso del humor negro que trata de manera humorística aquellas situaciones pesimistas, relacionadas a temas como la muerte o la guerra. Muestra de ello, Ocho sentencias de muerte (1949) o ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (1964). Filmes como Pulp Fiction (1994) introduce elementos del humor negro pero no está establecida dentro de la Comedia.

¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (1964) por Stanley Kubrick

Otra de las vertientes de la Comedia son las parodias.  Pueden ser objeto de parodia las situaciones, personajes reconocidos o incluso alguna otra película. El jovencito Frankenstein (1974), Aterriza como puedas (1980) de Jim Abrahams y David Zucker, Scary Movie (2000). 

El jovencito Frankenstein (1974) por Mel Brooks

La comedia dentro de temáticas como romántica y festiva destacan los filmes como La novia era él (1949) de Howard Hawks, Sopa de ganso (1933) de Leo Mc Carey,  Las tres noches de Eva (1941) y Los viajes de Sullivan (1941) de Preston Sturges.

En la comedia cinematográfica destacaron los siguientes filmes: La viuda alegre (1934) y Ser o no ser (1942) del alemán Ernst Lubitsch;  Sabrina (1954), Con faldas y a lo loco (1959) o El apartamento (1960) del austríaco Billy Wilder.

En la actualidad, se podría decir que continúa el mismo tratamiento cómico, aunque progresivamente trivializado, el humor reaparece casi en todos los géneros cinematográficos, tornándose como el recurso más utilizado, incluso en géneros como el gore y terror. 

Blood Dinner (1987) por Jackie Kong

Lo que te horroriza y romantiza ahora te da RISA.

Melancholia - Lars Von Trier

Si el sólo título ya es un anuncio de las conmociones  que surgirán en este film, dirigido y escrito por Lars Von Trier, la delirante y majestuosa introducción sirve de augurio al fascinante desenlace, recurso que nos permitió prestar mayor atención al desarrollo de la historia, conocer a sus protagonistas, identificarnos con ellos, entenderlos o incluso repudiarlos. 

Esta versión apocalíptica del fin del mundo no abandona los sentimientos individuales de los personajes, contraria a otras versiones en las que se generaliza el dolor de la humanidad ante la destrucción de la Tierra, Lars von Trier construye la historia en días previos a ese suceso restando importancia en un inicio al hecho catastrófico y nos involucra ante un evento social cotidiano: la fiesta de bodas de Justine y Michael.

La historia está dividida en dos partes, la primera se centra en Justine protagonizada por Kirsten Dunst, quien en una aparente felicidad se encuentra recién casada y celebrando su boda. Pero con el transcurrir de la fiesta nos percatamos de su inestabilidad emocional y progresiva depresión.

La sensibilidad de Lars von Trier nos permite ser partícipes e involucrarnos más con una historia que no deja más que sorprendernos. La segunda parte, toma protagonismo Claire y nos muestra su realidad como esposa, madre y sobretodo hermana. Claire empieza a visualizar los temores hacia el planeta Melancholia que se acerca a la Tierra, pero su esposo (Kieffer Sutherland) la reconforta con su plena fe en la ciencia.

Justine evidencia un progresivo cambio de actitud, se muestra extasiada con este planeta y considera que “la Tierra es maligna”. Por otro lado, Leo, el hijo de Claire, representa la esperanza que Justine logra inspirarle. 

Con lo resumido, podemos afirmar que Lars von Trier realizó una buena construcción de personajes, pues aunque la gran parte de ellos representan actitudes límites, son convincentes y permite establecer empatía con ellos.

Otro de los medios que utiliza el director para involucrarnos con las escenas es el movimiento de la cámara, a la manera casera. Destaca primeros planos en los personajes lo que nos permite apreciar sus expresiones y emociones, también utiliza planos aéreos que transmite la majestuosidad del paisaje y la atmósfera solitaria.

La música que acompaña la introducción y reaparece en los momentos de mayor tensión, pertenece a la composición de Wagner  “Preludio de Tristán e Isolda” y es el alma del film pues le confiere personalidad y profundidad a las escenas.

Para finalizar, no podemos dejar de lado la evidente inspiración que tuvo Lars von Trier del arte como lo mencionamos anteriormente con la obra de Bruegel, otro ejemplo lo apreciamos en la imagen de la novia flotando en el agua, y que figura en la portada de la película, que evoca La muerte de Ofelia del lienzo pintado por John Everett Millais.

La muerte de Ofelia,John Everett Millais.

Gran impresión debió haberle causado a Lars von Trier el personaje de Ofelia, que en la historia de la Literatura ha sido evocada varias veces, como Arthur Rimbaud quien inspirado en esta enloquecida, enamorada y frágil ante situaciones límites, escribió un poema a la Ofelia shakesperiana. Citamos a continuación el primer párrafo del poema, que podría describir la portada de Melancholia.

"En las aguas profundas que acunan las estrellas,
blanca y cándida, Ofelia flota como un gran lirio,
flota tan lentamente, recostada en sus velos...
cuando tocan a muerte en el bosque lejano”...
Ofelia, Arthur Rimbaud (1854-1891)

En definitiva, si solicitaran resumir la impresión general que nos provocó Melancholia, sería de progresiva tristeza que nos encoge, ataca nuestros miedos y los transforma en poesía, y si nos exigieran adjetivarla, diríamos: genial y majestuosa. 

Pi. El Orden del Caos.

Opera prima del director Darren Aronofsky. Pi es una película difícil, tensionada, pero no incomprendida. Rápidamente nos damos cuenta de que se trata, y nos involucramos con sus postulados. Max Cohen es un matemático brillante, solitario, le tiene aversión al contacto con los demás humanos. A los seis años miró directamente al sol, encegueció y luego pudo ver. Desde ese momento sufre de fuertes jaquecas y de una capacidad increíble de hacer cálculos matemáticos. El joven Max postula que las matemáticas son el lenguaje de la naturaleza, y está en busca del patrón en PI. Considera que el mercado de acciones es un organismo natural y por eso debe también tener patrones escondidos detrás de sus números. Los trabajos en su computadora Euclides lo llevan a acertar algunos movimientos en el mercado de acciones, pero luego ésta sufre una inexplicable avería arrojando una serie de 216 números. En este camino Max se da cuenta que la búsqueda del patrón en PI es mucho más importante de lo que se imaginaba y en él se encuentra el patrón que rige el universo. La trama transcurre entre sus reflexiones, jaquecas, alucinaciones y el acoso de dos grupos extremistas unos economistas de Wall Street y un grupo de ortodoxos judíos.  

Estamos frente a la búsqueda del principio que rige el Orden de nuestra realidad, siendo nuestra realidad un aparente caos. La lucha del ser humano por querer entender su mundo más cercano (las finanzas) y el más lejano (Dios). El discurso de Max es contrastado por su mentor Sol, quien lo introdujo en el estudio de Pi. Sol trata de liberar a Max de este yugo con frases como “la vida no es sólo matemáticas”. Según Sol, Max vuela muy alto, como Ícaro, y esta enloqueciendo por su obsesión (esta es una metáfora al peligro que correo como le sucedió a Ícaro por volar tan cerca al sol). Aunque en el fondo, Sol sabe que las investigaciones de Max están muy avanzadas; ya que el mismo ya había llegado a resultados iguales durante su investigación. Tenemos aquí la presencia del hombre que se rindió, que prefirió seguir una vida normal y no enloquecer en busca de un conocimiento que escapa de la capacidad humana.

El lenguaje visual nos presenta un blanco y negro intenso con planos subjetivos, que nos llevan a la visión de Max. Los cortes que interrumpen una toma más rápido de lo normal, provocan un despertar constante. No existe una decadencia narrativa en ningún momento. Pues estamos atentos ya sea al ritmo de edición y/o a la banda sonora. Pi es una película densa, completa en el sentido que se corresponden muy bien sus textos con su ritmo y sus planos.  

Quisiera referirme aquí a las hormigas, que me hacen recordar el famoso corto “Un perro andaluz” de Luis Buñuel. La presencia de la hormiga en este sistema de máquinas, como ser orgánico dentro de un sistema computarizado. Siendo la hormiga un animal tan pequeño pero con gran capacidad de trabajo como los chips de las computadoras.

Al finalizar Pi queda la pregunta suelta ¿A que nos llevaría conocer el patrón que rige nuestra naturaleza? ¿Nos es útil? ¿Somos lo suficientemente puros para ver a Dios?